Los environments, "entornos" o "ambientaciones" en español, son un tipo de obra de arte que se ha consolidado como una piedra angular en el desarrollo del arte contemporáneo desde mediados del siglo XX. A diferencia de las formas de arte tradicionales, como la pintura o la escultura, que se observan desde una distancia contemplativa, los environments invitan al espectador a un espacio que es, en sí mismo, la obra de arte.

Tehching Hsieh, nacido en Taiwán en 1950, es un artista de performance que redefinió los límites del medio en los años 70 y 80. Tras abandonar sus estudios y su carrera como pintor, se centró en la performance, documentando sus acciones como en la obra Jump (1973), donde se rompió los tobillos al saltar de una ventana. Con una trayectoria marcada por un compromiso radical, realizó una serie de obras de larga duración que lo convirtieron en una figura clave del arte contemporáneo.

En el verano de 1962, cuando Bert Stern y Marilyn Monroe se encontraron en la suite de un hotel, el fotógrafo no se imaginaba que su musa le daría la clave para inmortalizarla. “Su belleza estaba en su espíritu”, diría años después. Pero esa belleza, ese aura que cautivó a Stern y a millones de personas, era además de un don de la naturaleza, el logro de toda una vida.

La imagen de Leonard Cohen, capturada en 1967, en Nueva York, lo muestra adoptando una posición que el diccionario define como ‘con las piernas dobladas de forma que las nalgas se acercan al suelo o a los talones’. El autor de la fotografía es Jack Robinson y seguramente corresponde a una de las asignaciones para la revista Vogue, para la que trabajaba en esa época.

Cuando Jack Robinson murió en Memphis, en 1997, poca gente sabía —incluso quienes aseguraban conocerlo mejor— que aquel reservado diseñador de vitrales ocultaba un misterioso y lejano pasado como fotógrafo de éxito. El enigma parece haber comenzado en 1972, coincidiendo con el año en que la contundente victoria de Richard Nixon en la reelección presidencial confirmaba el giro de Estados Unidos hacia un conservadurismo de ley y orden, el cual resonaba con las inquietudes de una atribulada clase media y trabajadora.

Mavis Pusey fue una artista nacida en Jamaica en 1928. Estudió artes en Nueva York y Londres, vivió un año en París y finalmente se instaló en el barrio de Chelsea, en Nueva York, donde comenzó su carrera profesional. Disfrutó de cierto reconocimiento artístico y participó en algunas exposiciones colectivas importantes. A finales de los ochenta tuvo que trasladarse a Virginia donde se enfocó en la docencia y ya con problemas de salud falleció en 2019, arruinada y prácticamente en el olvido. 

Cuenca y el mundo del arte despiden a una de sus figuras más esenciales, un pilar de la abstracción que dedicó su vida a tender puentes entre la creación y el espectador. El 6 de septiembre, a los 100 años de edad, falleció Gustavo Torner, artista, visionario y cofundador del mítico Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca. La trayectoria de Torner desafía las convenciones.

La fotografía de Steve Schapiro, tomada en 1961, muestra al músico Sonny Rollins (Nueva York, 1930) en el rellano de una escalera entre los bastidores del teatro Apollo en Nueva York. De esta imagen me llama la atención sobre todo la composición: el hombre en primer plano descendiendo la escalera, su rostro oscurecido por la penumbra, el contraste que crea con la actitud hierática de Rollins.

Uno de los principios de la modernidad era la originalidad, la primacía de la autoría como garantía del valor del arte y soporte ético de la sociedad. Claramente, hoy ya no es así. La imposibilidad de distinguir lo auténtico del fraude es una inquietud constante que nos asola cuando leemos, vemos una imagen o miramos un video. “No sé Rick, parece falso”, se ha convertido en el motto de los tiempos actuales.

Los artistas, por lo general, se toman muy en serio el medio que escogen para comunicar su mensaje. Si bien se habla de estilos, corrientes, lenguajes o narrativas, el objetivo es siempre establecer una base sobre la que se desarrollen sus ideas y trabajos a medida que profundizan en sus investigaciones. Una vez hallada esta base, lo habitual es que el artista permanezca en ese ámbito de conocimiento o sensibilidad; un territorio donde algunos evolucionan y otros simplemente se repiten.

El juego está presente en el arte de Alexander Calder. Tenemos el antecedente de su famoso circo, en el que como un niño se dedicó por varios años a la creación de un mundo que organizaba como un pequeño dios. Luego su juego buscó hacerse más retador y añadió algo de libre arbitrio, algo fuera de la decisión del que juega, un elemento aleatorio como signo del azar y la libertad.

Alguna vez te has preguntado cómo la música puede trascender lo auditivo para convertirse en parte integral de nuestra memoria visual colectiva. En la década de 1960, el pianista y compositor de jazz Vince Guaraldi (1928-1976) lo logró de manera magistral, forjando un vínculo indisoluble con la cultura visual de su época, especialmente a través de su trabajo en las icónicas animaciones de…

La portada del álbum Hank, de 1957, es un testimonio audaz y vibrante del diseño gráfico de la época, y específicamente, del innovador trabajo de Tom Hannan para Blue Note Records. A diferencia de las portadas más centradas en la fotografía de Francis Wolff, reconocibles por su icónico estilo, esta obra es un claro ejemplo de diseño puro, donde la abstracción y la tipografía son las protagonistas absolutas.

Tráfico de Modas, España. moda

Recientemente, el mundo de la música y el cine lamentó la pérdida de Lalo Schifrin, un compositor cuyo talento trascendió las partituras para impregnar de identidad sonora numerosas obras de la cultura visual de la segunda mitad del siglo XX. Su legado, sinónimo de intriga, acción y sofisticación, no solo acompañó, sino que contribuyó a moldear la percepción de una era definida por el espionaje, el crimen y la aventura en la pantalla.

Los primeros modernos no buscaban lo nuevo en un presente tendido hacia el porvenir y que lleva en sí la ley de su propia desaparición, sino en un presente en su calidad de presente. Antoine Compagnon. Las cinco paradojas de la modernidad. I La obra de Humberto Jaimes Sánchez (1930-2003) se puede interpretar como el resultado de una labor que aspiró a una conexión sensible con la realidad que le correspondió vivir.

En el vibrante escenario del arte del siglo XX, pocas colaboraciones brillan con tanta audacia y originalidad como la de Niki de Saint Phalle y Jean Tinguely. Su unión no fue solo un matrimonio de mentes y corazones, sino una explosión de creatividad que desafió las convenciones y redefinió los límites de la escultura y la performance. Detrás de muchas de sus ambiciosas obras, a menudo monumentales y logísticamente complejas, se encontraba la figura de Pontus Hultén, un director de museo visionario cuyo apoyo inquebrantable fue fundamental para el desarrollo y la exhibición de su trabajo.

Imagínate esto. Es el 24 de junio de 1995 y estás paseando por Berlín, y de repente te encuentras con el Reichstag, un edificio histórico gigantesco; pero no lo ves como siempre. En lugar de eso, está completamente cubierto por una tela plateada y brillante, atada con kilómetros de cuerda azul. No es la típica lona que suele cubrir una obra en reformas, sino algo mucho más impactante y extraño.

In 1962, Andy Warhol desperately wanted to be like his accomplished new pal, Marisol.

El reciente fallecimiento de Brian Wilson, el genio musical detrás de The Beach Boys, nos lleva a una breve inmersión en su legado, pero no desde la perspectiva sonora, sino de la cultura visual de los años 50 y 60. La música de Wilson, tan icónica y definitoria de una era, no existía en el vacío; estaba intrínsecamente entrelazada con las imágenes, los ideales y los anhelos que permeaban la sociedad estadounidense de posguerra, especialmente en la soleada California.