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Tornano i #FilmFuoriTempo e voliamo alla fine degli anni '60 con questa piccola perla firmata Ken Loach. Kes è un film delicato ma di grande forza.

#Cinema #CineSky #RecensioniFuoriTempo
kes ken loach (1969) Tra i principali esponenti del free cinema inglese, Ken Loach fu uno dei numi tutelari di un nuovo modo di fare film in Regno Unito, capace di sfuggire alle tradizioni di un modo di intendere l’arte superato. Un cinema vicino alla gente, capace di raccontare il reale senza filtri e di raccontarlo da una prospettiva di critica politica e sociale molto forte. Kes è un manifesto fortissimo di questo nuovo modo di raccontare la realtà: la storia è quella di un ragazzino povero ed emarginato, inserito in contesti sociali che dovrebbero aiutarlo ma che non fanno altro se non spingerlo sempre più a fondo. Una famiglia allo sbando, una scuola che punisce invece che educare, lo sport che diventa fonte di umiliazione e degrado, una società che lo giudica e lo affossa piuttosto che alimentarne le speranze. Il giovane Billy troverà nell’addestramento di un falco l’unica vera ragione di vita, nonché una chiave fondamentale per crescere, maturare, interessarsi a qualcosa e avere stimoli, l’unica chance per garantirsi un sogno di futuro. Kes è un film con una poetica fortissima, una fotografia che permette di scavare dentro i personaggi e i luoghi che abitano e uno sguardo della macchina da presa mai troppo vicino ma nemmeno lontano, che permette di immedesimarsi emotivamente con i personaggi ma anche di guardare al quadro generale con forte spirito critico. Un grande film, duro ma toccante, capace di alternare cinismo e dolcezza: veloce, forte e spietato come un falco, ma anche libero, potente, maestoso e bellissimo.
November 8, 2025 at 8:13 AM
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Senza troppi fronzoli, uno dei film più belli visti quest'anno. E Mike Flanagan si conferma un bravissimo "adattatore" di storie altrui, anche di quelle di Stephen King.

#Cinema #CineSky #RecensioniFuoriTempo
the life of chuck mike flanagan (2024) Prendendolo dal “verso giusto” The Life of Chuck sarebbe una storia come tante: il racconto della vita di un bambino, poi ragazzo, poi uomo come tanti, preso a bastonate dalla vita ma con grande voglia di reagire e di vivere quella vita fino in fondo, godendosi tutte le cose belle che ha da offrire. Un messaggio certamente nobile ma già visto in mille altre forme: il pregio del film di Mike Flanagan (e del racconto di Stephen King da cui è tratto) è l’originalità con cui questo strano esperimento narrativo viene portato avanti. C’è prima di tutto una narrazione che procede a ritroso, che parte dalla fine per tornare all’inizio e che presenta in modo molto intelligente il protagonista, con un “racconto indiretto” di rara bellezza che vale il film e ne racchiude il significato; impariamo così a conoscere il protagonista Chuck e la sua vita ancora prima che ci venga davvero mostrata e la cosa bella è che questa vita non ci viene raccontata in ogni dettaglio ma solo in alcuni specifici momenti, tutti legati alla danza, alla matematica e a una vecchia soffitta, tutti dettagli apparentemente insignificanti ma che danno vita a un quadro dove tutto ha un peso e ogni cosa è importante. Flanagan accompagna tutto questo mettendosi in disparte, lasciando che siano i movimenti e la bellezza a guidare la storia ma non dimenticandosi mai un gusto vagamente horror, capace di emergere nell’inquietudine di alcuni specifici momenti e nei misteri che avvolgono la storia sin dal principio. The Life of Chuck è un film che gioca con lo spettatore, fa finta di portarlo altrove ma non fa altro che mostrargli quanto è complicata ma anche quanto è bella la vita: un percorso che si svolge fuori e dentro di noi, che è carico di mistero, magia e tristezza, ma che va comunque vissuto fino in fondo anche se sappiamo già come andrà a finire.
November 7, 2025 at 7:48 AM
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Mercoledì esce anche la recensione della stagione due di Mercoledì che, per inciso, non mi è dispiaciuta.

#SerieTV #Streaming #RecensioniFuoriTempo
mercoledì stagione 2 (2025) Dimenticatevi la coerenza interna di una trama che mescola mille e più storie senza preoccuparsi troppo di incongruenze e buchi di trama: a contare in Mercoledì sono soprattutto le atmosfere e i personaggi. E sono proprio questa cornice estetica, il mood dark e quel mix tra horror e commedia a rendere questa una serie godibile, nonostante tutti i suoi difetti. Otto puntate, divide in due tronconi interconnessi ma tutto sommato distinti, che hanno l’ambizione di raccontare una storia corale, complessa, dove ogni sotto-trama cerca di essere “importante” ai fini della storia principale. Un nuovo preside piuttosto infido arriva a scuola, Mercoledì si ritrova ad affrontare nuovi pericoli e una profezia non proprio rassicurante, mentre il passato ritorna prepotente: questa seconda stagione ha il merito di ampliare notevolmente il discorso, di non concentrarsi solo sull’affascinante protagonista, ma di lasciare il giusto spazio anche a tutti gli altri, adulti compresi, che nella prima stagione non avevano trovato molto spazio. A giovarne è una trama che, al netto dei già citati problemi, riesce ad avere maggiore respiro e ad essere più varia rispetto al passato, lasciando spazio a personaggi e atmosfere che funzionano davvero bene. La mano di Tim Burton, regista di quattro degli otto episodi, sembra ben più presente, con uno stile capace di accompagnare e valorizzare alcuni dei momenti più importanti: e di scene iconiche e battute da ricordare questa stagione è piena, consapevole di ciò che l’ha resa celebre e che piace al pubblico dei più giovani cui si rivolge. Prendete Mercoledì per quello che è: un teen-drama a tinte dark senza troppe pretese, se non quella di intrattenere e divertire. A volte va anche bene così.
November 5, 2025 at 7:50 AM
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Paco Roca in un libro che racconta una parte molto importante della storia del fumetto indipendente spagnolo in un momento storico in cui essere indipendenti era praticamente impossibile.

#Fumetti #BookSky #RecensioniFuoriTempo
L’inverno del disegnatore paco roca Tunué (2025) Uno spaccato sulla storia del fumetto spagnolo, disegnato da uno dei suoi maestri moderni, Paco Roca. L’inverno del disegnatore ci porta indietro alla fine degli anni ’50, in un periodo falcidiato dalla dittatura dove un gruppo di fumettisti decide di intraprendere la strada dell’indipendenza nel tentativo di fuggire dalle logiche del mercato e di un potente editore. Quella che ci viene raccontata è la storia di un fallimento, ma anche di un atto di coraggio importante in un periodo dove nessuno aveva davvero il coraggio di provare a cambiare le cose: Tunué ripropone la storia originale del 2010 in un’edizione ricca di appendici e approfondimenti, a testimonianza del grande lavoro di ricerca delle fonti e di attendibilità alla verità dei fatti. Il lavoro di documentazione è incredibile e traspare da ogni dettaglio, sia nella ricostruzione storica della Barcellona dell’epoca, sia nella realizzazione dei volti dei protagonisti e dei loro fumetti. Lo stile è chiaro, i contorni sono vivi e i colori variano di tonalità a seconda della stagione raccontata: la storia va avanti e indietro nel tempo a seconda delle esigenze, riuscendo a costruire collegamenti interessanti e a non far pesare mai il cambio di punto di vista. La linea temporale è ben chiara e Roca riesce a viaggiare tra gli anni e le stagioni e a mantenere tutto sempre coeso e coerente. Un gran lavoro per una grande storia, di quelle apparentemente piccole o insignificanti, ma capaci di cambiare per sempre le cose.
November 4, 2025 at 8:29 AM
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So it begins…

#Natale
November 3, 2025 at 10:19 PM
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E siamo arrivati alla fine di questo viaggio nell'horror, anzi, della sua prima parte. Appuntamento al 2026 per il proseguo: per ora godiamoci questo 31 ottobre in compagnia di un eroe molto improbabile.

#Cinema #CineSky #Halloween #RecensioniFuoriTempo
horror cult the toxic avenger Lloyd Kaufman e Michael Herz (1984) Il manifesto della Troma e di un modo di fare film unico nel suo genere, costruito intorno a un cinema libero da limiti e barriere, scorretto, scanzonato, violento, splatter, fato con pochi mezzi ma senza guardare in faccia a nessuno. Quello pensato da Kaufman e Herz è il racconto di un sfigato in una società corrotta di bulli e criminali, trasformato in un mostro e pronto a vendicare i più deboli in una crociata a suon di botte e uccisioni contro il male. Il problema è che nel fittizio quartiere di New York pensato per The Toxic Avenger, tutto è male, tutto è corrotto, tutto ha una macchia. The Toxic Avenger usa il linguaggio scurrile, la nudità, il sesso e il sangue per raccontare di una società che è tutte queste cose e anche di più, che non può essere salvata e per questo va combattuta, con ogni mezzo necessario. E i mezzi che il “vendicatore tossico” utilizza sono tra i meno ortodossi che si siano mai visti in un supereroe (o presunto tale): è li che si innesta l’unicità del film e di tutte le produzioni Troma che da questo hanno tratto ispirazione. La violenza, seppur efferata e terribile, è accompagnata da colonne sonore scanzonate, esaltata da un montaggio ben poco attento ai formalismi, simile a un videoclip, e contornata da una comicità demenziale e fuori dalle righe. Poco importa quindi se la recitazione è pessima, la regia approssimativa e la trama non esiste: The Toxic Avenger riuscirà comunque a farvi divertire, che nel cinema di Troma è forse l’unica cosa che conta davvero.
October 31, 2025 at 8:04 AM
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Poltergeist è uno di quei film perfettamente inserito negli anni '80: ottimi effetti speciali, storia semplice ma efficace. Un horror "per tutti", diretto e scritto come si deve. Il modo più giusto per avvicinarsi ad #Halloween.

#Cinema #CineSky #Horror #RecensioniFuoriTempo
horror cult poltergeist Tobe Hooper (1982) Hanno sempre avuto un non so che di rassicurante i film ambientati e girati negli anni ’80. Atmosfere impagabili, toni familiari, viali alberati, quartieri residenziali e ragazzini in bicicletta che si divertono con poco. Poltergeist punta tutto su quel tipo di atmosfera, sulla famiglia americana felice, nel quartiere perfetto e con una vita perfetta: ma Steven Spielberg, che questo film lo ha pensato e scritto, è sempre stato molto bravo a prendere quel tipo di tono e deformarlo a seconda della storia che doveva raccontare. E qui da in mano quella storia a Tobe Hooper, quello di Non Aprite Quella Porta, uno che sapeva molto bene come piegare al suo volere lo stile di vita americano, come trasformarlo in un terribile e inatteso incubo ad occhi aperti. Il film diventa molto presto un parco giochi divertente e appassionante, una casa dell’orrore che da Disneyland finisce sul grande schermo e regala momenti e inventive di altissimo impatto, frutto di effetti speciali davvero ben riusciti e altamente spettacolari. Nella storia di questa famiglia sconvolta dalle strane presenze che si aggirano nella loro casa si palesano tutta una serie di peculiarità di un certo filone horror che oggi diamo per scontate, ma che sono tali solo per merito del lavoro di Hooper e Spielberg. Perché Poltergeist è capace di regalare momenti davvero indimenticabili, spettacolo e adrenalina a profusione, soprattutto nei suoi ultimi incredibili 15 minuti, da antologia dell’horror cinematografico.
October 30, 2025 at 8:14 AM
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Possession trasforma la rottura di un amore in un incubo orrorifico terribile e spaventoso. Indimenticabile l'interpretazione di Isabelle Adjani e la terribile e famosissima "scena madre" che la vede protagonista.

#Cinema #CineSky #Horror #Halloween #RecensioniFuoriTempo
horror cult possession Andrzej zulawski (1981) Un delirio di follia, capace di utilizzare il seme dell’orrore per raccontarci tutt’altro. Possession è la storia di una coppia invischiata in una crisi irreversibile fatta di non detti, tradimenti e violenza. I due sprofonderanno in un pozzo nero e profondo, perderanno la loro vera identità, diventeranno i fantasmi di loro stessi. Il tema del doppio è fondamentale per provare a comprendere l’opera di Żuławski e il suo tentativo di rendere tangibili le tragedie interiori che coinvolgono uomini e donne quando i rapporti di coppia finiscono. Il tutto nell’asettico e asfissiante contesto di una Berlino grigia e crepuscolare, sull’orlo di una nuova guerra pronta a travolgere tutto e tutti, divisa in due da un muro sempre presente e che non lascia penetrare nemmeno un raggio di sole. La camera si muove in continuazione, gira intono agli ambienti, si agita, assume prospettive particolari, aumentando a dismisura l’ansia e seguendo la discesa nella follia dei due personaggi con asettica precisione. Possession è un film di scene forti e interpretazioni enfatiche, un horror d’autore entrato nell’immaginario collettivo per alcuni momenti ancora oggi molto potenti (i litigi, la violenza, l’iconica scena in metro, la creatura) e per l’incredibile prova attoriale di Isabelle Adjani, impegnata a dar forma a un personaggio davvero duro e difficile.
October 29, 2025 at 8:02 AM
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Oggi non parliamo di uno ma di ben tre film, tutti per la regia di Lucio Fulci. La cosiddetta Trilogia della Morte è un concentrato per stomaci forti, con immagini potenti e tanta creatività. Piccole perle da riscoprire.

#Cinema #CineSky #Horror #Halloween #RecensioniFuoriTempo
horror cult trilogia della morte lucio fulci (1980-1981) Non chiedete mai a Lucio Fulci di spostare la camera quando vi sta mostrando una scena violenta. Il re del gore e dello splatter non distoglierà mai lo sguardo, pronto a mostrarvi sempre tutto, fino in fondo, che si tratti di un omicidio efferato, di un cranio spappolato a mani nude, di ragni che divorano un corpo inerme, di organi che fuoriescono copiosi dalla bocca, di visi disciolti dall’acido. La famosa trilogia della morte rappresenta forse l’apice della sua intransigente visione dell’horror, fortemente osteggiata dai critici italiani ma capace di influenzare ancora oggi registi da tutto il mondo: perché è innegabile che Fulci fosse un mestierante capace, abile, tra i più innovativi e originali della sua epoca. I suoi horror sono girati magnificamente, con uno stile unico e peculiare, coadiuvati da un’estetica realistica e credibile e da un’artigianalità che li rende ancora oggi credibili e scioccanti, capaci di lasciare il segno. A mancare in questi tre film (Paura nella città dei morti viventi, …e tu vivrai nel terrore! - L’aldilà e Quella villa accanto al cimitero), accomunati dalla protagonista femminile, Catriona MacColl, è una trama degna di questo nome, capace di portare avanti con efficacia la narrazione: gli incipit catturano, i finali colpiscono, le immagini non lasciano mai indifferenti, ma a latitare sono purtroppo le storie, spesso buttate li, spesso banali, quasi sempre inesistenti e trascurabili.
October 28, 2025 at 8:28 AM
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Un cult italiano ormai diventato un classico dell'horror. Cannibal Holocaust è un film di immagini forti e respingenti ma ha anche qualcosa da dire.

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horror cult cannibal holocaust ruggero deodato (1980) Il film più discusso e censurato di sempre, odiato e osteggiato all’epoca della sua uscita ed elevato a cult intramontabile negli anni successivi. Cannibal Holocaust ha ritrovato in anni recenti quella fortuna che non aveva avuto negli anni ’80: oggi forse non riusciamo più a farci troppo caso, assuefatti come siamo dalla violenza, ma il film di Ruggero Deodato è un corollario di immagini e sequenze ad altissimo impatto, di quelle che lasciano il segno. Ancora oggi si fa fatica a non distogliere lo sguardo davanti agli animali seviziati e mutilati a puro scopo filmico e anche quando la violenza non è reale ha con se un carico talmente forte di drammaticità e credibilità da diventare quasi sempre altamente stordente e disturbante. Il film naviga a vista, rischiando sempre di propinarci una violenza gratuita e fine a se stessa. Ma sull’orlo di questo precipizio riesce comunque a far passare il suo messaggio, a mostrarci la sua critica feroce a una società sempre più mediatizzata, in mano a grandi gruppi editoriali e network disposti a tutto pur di guadagnare e catturare le attenzioni del pubblico. Deodato ci racconta tutto questo dividendo il film in due parti, strutturandolo come un documentario e usando un espediente narrativo che farà scuola: camera a mano, pellicola sgranata, riprese mosse e imperfette e un realismo esasperato rendono molto labile il confine tra realtà e fantasia, quello che fa funzionare Cannibal Holocaust e lo rende, ancora oggi, capace di colpire e lasciare interdetti e allibiti.
October 27, 2025 at 7:52 AM
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Oggi non è Venerdì 13 ma ce lo facciamo andar bene lo stesso perché questo di Sean S. Cunningham è un cult senza tempo: curato, ben girato e a suo modo sorprendente. La storia di Jason comincia qui.

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horror cult venerdì 13 Sean S. Cunningham (1980) Da Halloween di Carpenter in poi, la vera modo dell’horror anni ’80 è stata certamente lo slasher, quel genere ancora oggi molto in voga dove assassini efferati vanno in giro a trucidare una per una le loro vittime fino a farne restare solo una, quasi sempre una ragazza indifesa che scoprirà talenti inimmaginabili pur di salvarsi la vita. Venerdì 13 è una variazione sul tema piuttosto pigra, ambientata in un decadente campus estivo durante una notte: l’esito è sin da subito abbastanza classico, ma il film è capace di regalare violenza efficace e di alto impatto e jumpscare piuttosto riusciti e mai disonesti (il tema principale si fa sentire solo quando l’assassino è pronto a colpire). Alla regia Sean S. Cunningham, produttore che già aveva lavorato insieme a Wes Craven nel suo esordio cinematografico e qui impegnato a dare vita a una delle saghe più longeve e importanti del cinema horror. Questo capostipite è in tutto e per tutto un film molto più valido e riuscito di tutti i sequel, remake e crossover discutibili degli anni successivi: lo è perché, contrariamente rispetto a quanto si pensa, mette in secondo piano la figura del celebre Jason, divenuta colonna portante della saga negli anni successivi. Serviva una figura simbolo per una nuova gallina dalle uova d’oro da spennare, serviva un altro Mike Myers o un Freddy Krueger: ma questo primo Venerdì 13, seppur colpevole di aver “dato l’idea”, non ne aveva davvero bisogno. Per questo il suo colpo di scena “cardine” è ancora oggi pienamente riuscito e di grandissimo impatto, molto più della celebre quanto assurda sequenza finale sul lago.
October 26, 2025 at 8:30 AM
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Uno dei grandi classici della saga sui morti viventi più famosa di sempre. Zombi nasce dalla collaborazione tra George Romero e Dario Argento e ha davvero tante cose da dire.

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horror cult zombi George A. Romero (1978) Coadiuvato dall’amico Dario Argento, Romero da alla luce un nuovo capitolo della sua intramontabile saga sui morti viventi. Tralasciando il discutibile titolo italiano (che fa venire meno la continuity tra tutti i capitoli), Zombi è un prodotto smaccatamente action, tutto sparatorie, sangue e azione, dove smembramenti, organi e banchetti di carne vengono mostrati senza troppe remore. I tanti anni sulle spalle lasciano trasparire effetti speciali e trucchi oggi parecchio superati, ma è incredibile come il film riesca, con una trama semplice, una sola ambientazione al chiuso e pochi protagonisti a tenere comunque sempre alta la tensione. Visti con gli occhi del 2025, gli anni che passano mostrano quanto l’opera di Romero abbia influenzato tutta la narrazione horror sugli zombi sino ai nostri giorni. L’intuizione di base è sempre la stessa: il pericolo vero non sono quelle creature lente e impacciate che è facilissimo abbattere a evitare, ma la malvagità deviante degli uomini quando si trovano alle strette e in situazioni di difficoltà. Il sottotesto di denuncia sociale è fortissimo, amplificato da un centro commerciale scelto come fulcro della vicenda e come simbolo imperituro e incrollabile del nostro consumismo sfrenato e delle nostre inguaribili pulsioni. Una lotta senza tempo con noi stessi e la nostra natura, impossibile da vincere: per quanto possiamo sforzarci siamo tutti destinati a diventare zombi, a vagare senza meta spinti dai nostri istinti più bassi.
October 25, 2025 at 6:36 AM
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Quanti "bambini cattivi" abbiamo visto al cinema? Be, quello di Omen è certamente uno dei più celebri e inquietanti. Merito di un regista di alto profilo come Richard Donner.

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horror cult il presagio richard donner (1976) La vera bellezza dei film horror è la loro sincera schiettezza: sono film che, per gli argomenti che trattano e le tematiche che affrontano non devono inseguire alcun fine consolatorio, non devono regalare alcun messaggio positivo. Ne Il Presagio Richard Donner racconta della venuta dell’Anticristo, il figlio del diavolo, nelle vesti di un innocente quanto inquietante bambino. Le tragedie che seguiranno la sua “venuta” culmineranno in un finale che non fa altro che suggellare quelli che, sin da subito, erano gli intenti del film: come uomini siamo condannati all’estinzione e non possiamo far nulla per impedirlo; il male è tra noi, non ce ne rendiamo conto sino alla fine e, anche se ci proviamo, non riusciremo mai a sconfiggerlo; ogni impeto di salvezza o redenzione è vano, siamo ormai senza speranza. The Omen è un film di gran classe, ricercato nelle inquadrature quanto nelle atmosfere, che si aggira in luoghi di culto, ville, paesaggi e chiese molto suggestive per raccontare un male che si annida nella vita di tutti i giorni, che non riusciamo a capire - i suoi segnali sono sfuggenti, limitati a piccoli “presagi fotografici” - ma che mostra molto chiare le sue conseguenze. Strutturato come un interessante giallo investigativo, fa delle rivelazioni sempre più scioccanti la sua arma vincente, amplificate da una colonna sonora davvero d’impatto e da cani rabbiosi piuttosto inquietanti. E poi c’è quell’atavico timore tutto religioso del male incarnato che, se sfruttato a dovere, sa essere sempre tremendamente efficace.
October 24, 2025 at 7:29 AM
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Un altro maestro del brivido italiano, Pupi Avati. La Casa dalle finestre che ridono si distingue per le atmosfere e la location, molto più da brividi e inquietante di ciò che appaiono. La provincia e la campagna non saranno più le stesse.

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horror cult la casa dalle finestre che ridono pupi avati (1976) Se vi dicono che in Italia, a parte Dario Argento, non siamo mai stati capaci di fare horror di alto profilo e unici nel loro genere, provate a fargli vedere questo film incredibile di Pupi Avati. La Casa dalle finestre che ridono è un giallo dalla fortissima impronta spaventosa, ma unico nel suo genere per ambientazione, toni e personaggi che decide di usare. Avete mai pensato alle campagne assolate, desolate e decadenti della bassa padana come un’ambientazione perfetta per una storia di paura? Avete mai creduto che quella società di campagna, così chiusa nei suoi segreti, nei suoi silenzi e nella sua solitudine nascondesse qualcosa di terribilmente inquietante? Avete mai trovato inquietanti le paludi, le strade sterrate e polverose e le ville decadenti? A un primo acchito probabilmente no, ma Avati decide di prendere tutto ciò che stride in questo strano mondo periferico per dare vita a una storia che parla di quanto terribile sia ciò che si nasconde dietro la facciata apparentemente innocua delle vite più semplici. Un restauratore viene calato in un contesto che non capisce e non comprende e la “riscoperta” dell’affresco che deve ricostruire porterà alla luce i segreti e la terribile realtà di uno strano posto e delle persone che lo abitano. Il film è molto abile nel non permetterci davvero di capire cos’è reale e cosa non lo è, nel giocare con le nostre suggestioni e nel colpirci con le sue rivelazioni, sino a un colpo di scena finale che ci farà capire quanto l’orrore, purtroppo, sia sempre molto più vero di quanto crediamo.
October 23, 2025 at 6:59 AM
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Il capolavoro dell'horror italiano dal nostro rinomato maestro del brivido, Dario Argento. Poco da dire: Profondo Rosso è un film incredibile sotto tutti i punti di vista.

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horror cult profondo rosso dario argento (1975) Il capolavoro dell’horror italiano, senza se e senza ma. Profondo Rosso è un film iconico sotto tutti i punti di vista, capace di entrare nell’immaginario comune e di rimanervi scolpito ancora oggi. Merito di un film curato sino al più piccolo dei dettagli, girato con una classe e uno studio delle inquadrature davvero encomiabile e valorizzato da una colonna sonora stupenda e da un tema principale diventato immortale. Dario Argento è stato bravissimo nel trovare il giusto punto d’incontro tra thriller e horror, raccontandoci di un misterioso assassino con guanti e impermeabile nero e di un musicista che farà di tutto per trovarlo: saranno omicidi sempre più macabri a scandire l’evolvere di una vicenda capace di disseminare indizi e rivelazioni e di chiudere alla perfezione il cerchio di una storia che, come i migliori gialli investigativi, ci aveva detto tutto fin dall’inizio con onestà, ma nascondendolo con grande furbizia. Profondo Rosso è così amato perché tutto torna, perché rappresenta un cerchio che si chiude alla perfezione, esaltato da alcuni tocchi di classe che hanno consacrato l’estro e il genio di Argento: soggettive, carrellate, piani sequenza, dettagli e un rosso sangue denso e acceso che copre ogni cosa. Un gioco di specchi che ha traumatizzato generazioni di spettatori: state attenti a cosa vedete riflesso dietro di voi.
October 22, 2025 at 12:29 PM
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David Cronenberg ha scritto pagine fondamentali del body horror e Shivers e uno dei suoi film più iconici e inquietanti: un crescendo di tensione (e ribrezzo) davvero potente.

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horror cult il demone sotto la pelle David Cronenberg (1975) Sin dall’inizio della sua incredibile carriera Cronenberg si era posto l’ambizioso obiettivo di raccontare la condizione umana e le sue incontrollabili deviazioni, provando a rendere tangibile e visibile un orrore che nella realtà si muove sotto traccia. Per esplicitare al meglio i suoi obiettivi serviva che sotto la pelle dell’uomo comune si muovesse davvero qualcosa: la folle pulsione sessuale, incontrollabile e della quale nessuno riesce a fare a meno, diventa così un parassita rivoltante e strisciante, simile ad un’enorme e vorace sanguisuga con una vaga forma fallica. Un esperimento porta quest’essere a moltiplicarsi, passare di corpo in corpo e diffondersi tramite il sesso e il contatto fisico. Cronenberg, come un novello Romero, trasforma gli uomini in “zombie” folli e impulsivi, dando vita a delle vere e proprie scene apocalittiche, orge di inquietante piacere dove anche l’ultimo barlume di umanità viene soffocato. Il finale è ben poco consolatorio e per Shiver - questo il titolo originale - e il suo autore non solo non c’è salvezza, ma siamo tutti infettati da un parassita che si agita dentro di noi, che non vediamo ma sentiamo. Siamo causa di un male dal quale, ormai, non possiamo più scappare.
October 21, 2025 at 6:33 AM
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Quella che ci attende sarà una settimana di grandi maestri dell'horror. Iniziamo da Wes Craven e dal suo esordio cinematografico, una follia con rivolti di analisi sociale sorprendenti.

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horror cult l’ultima casa a sinistra wes craven (1972) Wes Craven ci ha sempre voluto dire molto con i suoi film: lo ha fatto sfruttando l’ironia, la risata, il macabro e il politicamente scorretto, dando al suo horror un punto di vista trasversale e sempre unico nel suo genere. Negli anni ’70 era ormai chiaro quanto il cinema horror, col suo essere così privo di filtri o sovrastrutture, era uno dei generi più adatti per raccontare la società e i suoi problemi. L’Ultima casa a sinistra prende di petto la violenza e ce la sbatte in faccia: Craven sa che la detestiamo ma ne siamo in qualche modo assuefatti, che facciamo finta di odiarla ma ne siamo profondamente attirati; e sa anche che, se potessimo, ci macchieremmo delle peggiori nefandezze se ce ne venisse data l’occasione. Così il film getta una tanica di benzina e un cerino acceso sulla perfetta famiglia media americana: la figlia adolescente di una coppia benestante viene brutalmente violentata, sbeffeggiata e uccisa insieme a una sua amica da un gruppo di squilibrati; saranno proprio mamma e papà, una volta scoperta la verità, a vendicarsi nel peggior modo possibile. Il film è disturbante nella sua forzata leggerezza, nel suo alternare una violenza fisica e psicologica sempre più forte con la normalità di plastica di tutto il resto. Sangue e follia si mischiano in maniera indissolubile, con conseguenze letali dalle quali, sin dall’inizio, era impossibile sfuggire. Perché la violenza fa parte di noi, anche se facciamo finta di nulla.
October 20, 2025 at 6:54 AM
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Blood Feast non è un gran film ma ha un'enorme importanza per l'horror, visto il modo con cui inserisce il gore e lo splatter per la prima volta nell'horror. Niente da qui in poi è più stato lo stesso.

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horror cult blood feast Herschell Gordon Lewis (1963) Il primo film splatter della storia è un concentrato di pessima recitazione, budget bassissimo e una trama assurda e senza alcun mordente, messa li solo per giustificare le gesta di un folle e macabro assassino e le indagini di una polizia ridotta a due improbabili detective. Ma a Blood Feast, datato 1963, va riconosciuto un coraggio assoluto nell’essere stato capace, per la prima volta, di mostrare senza troppe remore sangue e violenza. In anni in cui tutto veniva lasciato all’immaginazione dello spettatore, Herschell Gordon Lewis decide di non filtrare nulla: rispetto al cinema moderno l’azione viene solo fatta intuire, ma le sue conseguenze ci vengono messe sotto il naso. Per la prima volta non sono la camera o il regista a distogliere lo sguardo per noi ma siamo noi a dover prendere le distanze da ciò che vediamo, a dover chiudere gli occhi o voltare lo sguardo. Fu una svolta profonda e importantissima per l’horror di quegli anni, coadiuvata da una credibilità assoluta dal punto di vista estetico, sia nella realizzazione di un sangue che scorre copioso e abbondante, sia nel modo in cui vengono mostrati arti smembrati, organi vari e macabri cadaveri mutilati. L’artigianalità diventa parte integrante del processo e si trasforma nella cosa più importante di tutte, più del film stesso e della sua dignità. Per abbinare a tutto questo storie di maggior peso, attori più bravi e una maggiore cura dal punto di vista registico e tecnico ci sarà tempo, ma da Blood Feast niente è più stato lo stesso.
October 19, 2025 at 6:42 AM
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Non potevamo non citare un film del maestro in questa lista: Gli Uccelli ha una costruzione della tensione magistrale e un uso degli effetti speciali di alto profilo. Non guarderete più chi vola intorno a voi allo stesso modo.

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horror cult gli uccelli Alfred Hitchcock (1963) Pensate a una cosa nel mondo degli horror e dei thriller ed è probabile che Alfred Hitchcock sia stato il primo a realizzarla sul grande schermo e a codificarla in maniera perfetta per le generazioni future. Gli Uccelli non è solo un film capace di costruire la tensione in modo magistrale ma è anche uno dei più fulgidi esempi di horror catastrofico: lo era negli anni ’60 e lo è ancora oggi, nonostante i tanti anni passati e i tanti film di genere usciti nel corso degli anni. Una pellicola di gran classe, che inizia raccontando dello strano rapporto d’amore tra i due protagonisti, della strana e bislacca cittadina marittima in cui vive lui e della disfunzionale famiglia (e comunità di amici e conoscenti) che lo circonda e con cui lei, da sempre vissuta in città, dovrà fare i conti. Tutto sembra normale, in una sorta di ritratto della società americana dell’epoca, talmente standard da divenire quasi disturbante: questa particolare dissonanza è direttamente proporzionale con la presenza sempre più inquietante degli uccelli: sempre più numerosi, sempre più minacciosi, sempre più aggressivi. Hitchcock costruisce il suo film a folate sempre più lunghe, sempre più persistenti, sempre più folli. Ogni inquadratura, ogni scelta di montaggio è una gioia per gli occhi, coadiuvata da un uso degli effetti speciali che ancora oggi ha dell’incredibile e che ha fatto scuola. Inutile star li a chiedersi quale sia il vero significato del film, se vi siano reali collegamenti con la psicanalisi o intenti di denuncia verso l’umanità e il suo labile controllo su una natura e un pianeta che non è mai stato nostra proprietà. Vedeteci quello che volete, ma questo è soprattutto un capolavoro.
October 18, 2025 at 7:44 AM
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Che fine ha fatto Baby Jane è un horror di grande impatto, ricco di colpi di scena e con due attrici protagoniste indimenticabili. Chi è buono e chi è cattivo davvero? La risposta è meno scontata di quanto crediamo.

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horror cult che fine ha fatto baby jane? Robert Aldrich (1962) Bette Davis mattatrice assoluta in un film che riflette molto bene le dinamiche problematiche all’interno del mondo dello spettacolo. Robert Aldrich cerca un interessante punto d’incontro fra Viale del Tramonto ed Eva contro Eva, raccontandoci di due sorelle e del loro rapporto disfunzionale. Saranno le cose che non si diranno, le gelosie e i fraintendimenti a decidere il loro dramma esistenziale: il successo, che a turno ha cambiato la vita ad entrambe, le ha abbandonate, portandole a vivere in una condizione terribile; una, travolta dalla gelosia, è ormai impazzita e preda di raptus di rabbia folle; l’altra nasconde un terribile segreto ed è costretta su una sedia a rotelle. Il film ha un alto grado di momenti inquietanti, bravo a creare immagini ad altissimo impatto, che sia un topo morto al posto della cena, uno sguardo spiritato o un impeto inatteso di violenza. Tutto è funzionale a descriverci questo strano rapporto e le sue conseguenze: anche quando la normalità proverà a bussare alla porta delle due sorelle verrà costantemente respinta, andandosi a scontrare con una follia latente che si farà sempre più forte con il passare dei minuti. L’esito drammatico ma beffardo sarà svelato con un magistrale colpo di scena che ci spiega chiaramente quanto colpe e responsabilità siano sempre da dividere a metà e non causa di una sola persona.
October 17, 2025 at 7:36 AM
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Mario Bava è stato un maestro dell'horror e La Maschera del Demonio è un film ancora oggi incredibile, con una cura nelle atmosfere, nei costumi, nel trucco e negli effetti speciali di altissimo livello.

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Horror cult la maschera del demonio mario bava (1960) Nel corso degli anni il nostro gusto verso l’horror è profondamente cambiato ed è normale che quello che spaventava il pubblico sessant’anni fa può risultare abbastanza innocuo agli occhi dello spettatore moderno. Eppure La Maschera del Demonio continua ancora oggi ad avere un fascino indiscutibile, carico com’è di un’atmosfera impagabile, che unisce sotto lo stesso tetto stregoneria, vampiri e presenze diaboliche, esaltate da un bianco e nero fatto di luci taglienti, architetture gotiche ed effetti speciali ancora oggi di altissimo impatto scenico e visivo. Porte che si chiudono da sole, esplosioni e fiamme, unite a un’attenzione maniacale per il trucco degli attori, conferiscono al tutto un alone di artigianalità che, incredibilmente, non da mai l’idea di essere “vecchio”. Tutto è credibile, coerente, mai esagerato e mai fuori luogo, esaltato da una regia che sa come muoversi, che cambia velocità a seconda delle esigenze e della tensione che vuole scatenare, che sa dove mettersi e su quali dettagli indugiare. La trama, con un incipit grandioso e uno svolgimento abbastanza semplice, mette al centro della scena una bellissima e iconica Barbara Steele, lontana parente di una terribile strega/vampiro, riportata accidentalmente in vita e pronta a tutto pur di vendicarsi. Storie che oggi ci sembrano banali e stereotipate ma che negli anni ’60, in Italia, nessuno aveva mai fatto con questa cura e questa padronanza totale del mezzo cinematografico in ogni suo aspetto: regia, trucco, scenografie, costumi, fotografia, sonoro. Perché l’horror è prima di tutto una questione di sensazioni.
October 16, 2025 at 7:32 AM
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Occhi senza volto, arrivato nel 1960, iniziò a mostrare al mondo un horror nuovo, d'autore, dove la paura poteva passare attraverso tante modalità. Oggi potrà apparire superato, ma ha momenti davvero potenti.

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horror cult occhi senza volto Georges Franju (1960) L’horror diventa profondamente reale in questa pellicola di uno dei primi maestri dell’horror francese. Georges Franju ci regala una storia di mistero, dai toni sommessi, dove il buio della notte viene rotto dai fari di qualche macchina, dove a parlare sono spesso le immagini e dove la trama si svela piano piano, tramite una serie di indizi che daranno vita a una storia oscura e raccapricciante. Il protagonista è un chirurgo, dedito a esperimenti di chirurgia estetica sempre più folli e improbabili sul volto di sua figlia, sfigurata dopo un terribile incidente da lui stesso causato. Il film, anticipando di 20 anni alcuni degli stilemi del body horror, parla di bellezza estetica, decadimento fisico e malformazioni, di una sorta di ricerca della giovinezza e del volto perfetto a tutti i costi, in un’ossessione che porterà, come da tradizione, ad esiti violenti e nefasti. Il film fece scandalo e non fu ben accolto dai critici dell’epoca, che non ne apprezzarono la crudeltà e la tematica di fondo. Visto con occhi moderni si tratta di un prodotto che mostra ben poco rispetto a quanto siamo oggi abituati a vedere ma che, con poche scene, è capace di impressionare e regalare momenti di pura inquietudine, che saranno stati certamente molto più forti per il sentire degli spettatori dell’epoca. Ma scene come la rivelazione del vero volto della giovane sfigurata o la sequenza di foto che ne mostra il decadimento estetico restano ancora oggi momenti di grandissima forza e impatto.
October 15, 2025 at 6:51 AM
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Dopo Frankenstein e Dracula non poteva non arrivare il turno anche de La Mummia. Qui la differenza rispetto al corrispettivo Universal è marcata ma il film ha comunque un suo perché, nonostante tutto.

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horror cult la mummia Terence Fisher (1959) Cushing, Lee e Fisher, ancora loro per la riproposizione (ma non chiamateli remake in senso stretto) dei grandi mostri Universal degli anni 30’. Nel 1959, dopo Frankenstein e Dracula, era arrivato il momento de La Mummia, il non morto dell’Antico Egitto con il cuore spezzato e una sete di sangue implacabile. Del mondo horror della Hammer si tratta probabilmente di uno dei film meno riusciti: la trama è piuttosto risicata, tutta fondata su un uso continuo di flashback e una ricostruzione storica che, nell’estetica e nella scenografie, lascia molto a desiderare, palesando il budget risicato che ha sempre caratterizzato questi film e che qui traccia un solco davvero prepotente con le produzioni hollywoodiane di quasi trent’anni prima. Molto più riusciti i momenti “moderni” ambientati in Inghilterra, capaci di palesare ciò che la casa di produzione inglese riusciva a fare meglio: film horror capaci di unire la violenza con l’azione, il mistero e il giallo. La breve durata rende questa Mummia un prodotto tutto sommato godibile, con elementi comuni che diverranno parte integrante dell’immaginario cinematografico. Nel suo essere un mix tra le varie “mummie” degli anni precedenti, quella di Karloff ma, soprattutto, quella degli anni 40’, la Hammer diede vita, con tanto cuore e pochi soldi, ad un altro dei suoi storici successi cinematografici.
October 14, 2025 at 6:58 AM
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Continuiamo la nostra breve carrellata sul mondo Hammer con il mitico Dracula di Terence Fisher. Non prendetelo alla leggera, ha influenzato il nostro modo di vedere i vampiri e il loro simbolo molto più di quanto pensiamo.

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horror cult dracula il vampiro Terence Fisher (1958) Ancora il trio delle meraviglie della Hammer per una rilettura piuttosto fantasiosa del mito di Dracula. Seppur con un’estetica che mette in luce il budget ridotto e un’uso del colore e della luce che tradisce le atmosfere oscure che un film di vampiri dovrebbe avere, questo film del 1958 appare molto più centrato rispetto al precedente dedicato a Frankenstein. Merito di un Christopher Lee particolarmente a suo agio nel ruolo del Conte e di un Peter Cushing praticamente perfetto come Van Helsing. La storia è un’avventura dove bene e male sono ben distinti, una caccia all’uomo dove le reali intenzioni di Dracula sono sin da subito chiare e “i buoni” cercano di fare il possibile per sconfiggerlo e ucciderlo. Gli stilemi del vampiro sono tutti ben presenti e, paradossalmente, aver reso fin da subito chiara la minaccia, carica il tutto di una fortissima e persistente tensione. Manca l’eleganza e la classe aristocratica del Dracula di Lugosi: qui il pericolo è concreto, violento, senza freni, viene sbattuto in faccia allo spettatore con violenza e chiarezza d’intenti. A venir fuori, di riflesso, è un erotismo molto forte, che non mostra mai nulla di scabroso ma che indugia tanto sul fascino carnale del conte e sulla bellezza lasciva delle sue vittime femminili. Un modo diverso di vedere il mito del vampiro, meno affascinante forse, ma certamente più moderno, carnale e umano, in quello stile molto attento al sentire del grande pubblico che farà la fortuna della Hammer per tutti gli anni a seguire.
October 13, 2025 at 7:10 AM
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Dopo i mostri della Universal è giunto il momento di parlare di quelli della Hammer: meno magia, molto più sangue e concretezza, busso budget ma tanto cuore. Iniziamo da Frankenstein.

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horror cult la maschera di frankenstein Terence Fisher (1957) Dopo la Universal è stata sicuramente la Hammer la casa di produzione più importante nella produzione di film horror. Anzi, il suo lavoro servì in un certo senso a rilanciare il genere dopo anni in cui era diventato sempre meno importante e sempre più associato al concetto di “produzione minore”. Alla fine dei conti Hammer non fa niente per nascondere i bassi budget dei suoi film o per riciclare idee già viste sullo schermo tanti anni prima, eppure le sue riproposizioni di alcuni dei mostri più celebri del cinema degli anni ‘30 sono state baciate da un successo di pubblico incredibile e inatteso. La Maschera di Frankenstein riprende il romanzo di Shelley e il film di Whale ma lo adatta al gusto del pubblico dell’epoca. Nel film si possono notare tutti gli elementi che poi diverranno distintivi nella lunga serie di pellicole successive: l’horror si fa più estetico, più macabro, più violento, non si fa problemi a mostrare il rosso accesso del sangue e a dare vita a una macchina da presa che guarda in faccia la violenza, senza voltarsi dall’altra parte, senza farla intuire allo spettatore; le reinterpretazioni delle storie originali sono libere e piuttosto fantasiose, messe al servizio di trame dinamiche e “avventurose”. Qui a interpretare la creatura, con un trucco discutibile, è Christopher Lee, ma è il Frankenstein malvagio e senza scrupoli di Peter Cushing a rubare la scena. I due, insieme al regista Terence Fisher, saranno i volti immancabili di tutte le principali produzioni della Hammer, in un rinnovamento totale di quella “formula seriale” che aveva fatto la fortuna della Universal quasi trent’anni prima.
October 12, 2025 at 7:20 AM